Levón Burunsuzián, conocido por su nombre artístico Levón, es uno de los actores más experimentados que ha integrado el elenco de la Comedia Nacional, ingresando por unanimidad del jurado en el año 1976. Además, entre los años 2000 y 2005 se convirtió en Director Artístico del referido elenco estable.

Fue Coordinador Artístico de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático (EMAD) de la Intendencia de Montevideo en 1996 y su Director Artístico entre 1997 y 1999, ejerciendo la docencia en esa institución desde el año 1985. También se desempeñó como docente de expresión corporal y arte escénico en la Escuela Municipal de Arte Dramático de San José entre 1979 y 1986.

En el año 2020 asumió como director de la EMAD y, debido a su desempeño y gran aceptación de colegas, su cargo fue prorrogado tres veces por la Junta Departamental de Montevideo.

Entre sus trabajos más destacados como actor se encuentran: «Kaspar», «Los Caballos», «Las troyanas», «Enrique Príncipe y Rey», entre otras. Gracias a su trayectoria en las más importantes instituciones del teatro nacional, Levón es una figura referente y vigente del teatro, tanto por su calidad y excelencia artística, como por su ética personal y profesional, que se convierte en su mayor legado para distintas generaciones del teatro.

En la ceremonia participaron el intendente de Montevideo, Mauricio Zunino; la directora del Departamento de Cultura, María Inés Obaldía; la directora del teatro Solís, Malena Muyala; el director de la Comedia Nacional, Gabriel Calderón; y la directora de la EMAD, Laura Pouso. También participó, como invitada especial por parte de Levón, la exintendenta de Montevideo, Carolina Cosse.

Memoria afectiva

Obaldía recordó su experiencia como espectadora y afirmó que «todos tenemos un Levón, en cada una de sus interpretaciones, en la historia de nuestra memoria afectiva».

Cosse reflexionó sobre el trabajo en la cultura «y a veces se nos olvida reconocer ese bagaje de trabajo, a veces sin resultados, pero es lo que soporta que después veamos las cosas maravillosas» en una obra de arte, y agregó que «Levón nos ha entregado todo eso en sus distintas facetas».

Zunino destacó que lo que hoy se homenajea en Levón es también una defensa de la cultura y su fomento concreto, por el papel que tiene en el desarrollo de una sociedad. «Cuando muchas veces está cuestionada, cuando el debate sobre los temas presupuestales hacia la cultura y otros cuestionamientos sistemáticos, el distinguir a algunas personas es también dar una señal política a favor de la cultura».

Emoción

Por su parte, Levón recordó con emoción su ingreso y trayectoria en la Comedia Nacional y muy especialmente en la EMAD, de la que rememoró los pasos para lograr el sueño de tener una nueva sede, que se concretó en esta administración departamental, a la que agradeció, así como a estudiantes, docentes y funcionariado no docente de la escuela «dieron la fuerza, el orgullo y la pasión».

La ceremonia culminó con un homenaje especial de Gabriel Calderón y Laura Pouso rememorando sus aprendizajes como alumnos de Levón y reconociéndolo como maestro, como lo hacen también otras generaciones.

Fuente Imagen: Intendencia de Montevideo – Pablo La Rosa.

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La obra escrita y dirigida por Damián Barrera, es la elegida de este año por la Comedia Nacional para atraer al público infantil, que esa tarde comenzó sus vacaciones de una manera muy diferente.

Los pequeños no sólo disfrutaron del espectáculo, sino que a través de esta función solidaria, fueron los propios niños asistentes los que colaboraron con los más de 3.000 niños que cada año son apoyados en las Casas Ronald McDonald del Hospital Pereira Rossell y del Hospital de Tacuarembó.

Además, el hall del teatro se transformó en una fiesta ya que había estaciones para pintarse la cara y a la salida los niños recibieron de obsequio globos de la Casa Ronald McDonald y se pudieron sacar fotos con los personajes de la obra.

Al respecto Sandra Marcos, directora ejecutiva de la Asociación Casa Ronald McDonald, destacó el apoyo y el cariño recibido, y recordó que en ambas casas las familias encuentran “Un Hogar lejos del Hogar” donde madres y padres de niños internados, niños en tratamiento médico y embarazadas de riesgo reciben apoyo y todo lo necesario para hospedarse dignamente las 24 horas de los 365 días del año.

Además, agradeció a todos los que asistieron a esta primera función solidaria de la Casa Ronald y a todas las empresas que auspiciaron el espectáculo.

Fuente Imagen: bebesymas.com

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Las Maravillosas obra de Taco Larreta fue repuesta en sala Zavala Muniz del Teatro Solís (Buenos Aires y Bartolomé Mitre). Mario Ferreira dirige un elenco integrado por Isabel Legarra, Alejandra Wolff, Lucía Sommer, Stefanie Neukirch, Daniel Spinno Lara y Fernando Vannet. Funciones viernes y sábado a la hora 20.30 y domingos a la hora 19, hasta el 27 de marzo.

En la sala principal del Solís se puede ver Maratón Liscano, espectáculo que reúne seis textos breves del escritor Carlos Liscano. Funciones viernes y sábado a la hora 21 y domingo 19.30, hasta el 27 de marzo.

En Sala Verdi se presenta Mar de fondo – Un acting macho, escrita y dirigía por Diego Arbelo. Este espectáculo surgió como parte del proyecto “Entre nosotros”, que estimula a los actores de la Comedia Nacional a presentar proyectos en los que deseen trabajar.  Funciones viernes y sábado a la hora 21 y domingos a la hora 19, hasta el 3 de abril.

El costo de las localidades es de $150 para las funciones de sábados y domingos y los viernes a $75. Socio Espectacular gratis. Los mayores de 60 años ingresan gratis los días domingos.

Las localidades para todos los espectáculos están a la venta a través de los puntos de venta de Tickantel y en boletería de cada sala.

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Hasta el Domingo 2 de Agosto.

De W.H. Hudson / dramaturgia y dirección Anthony Fletcher.

Sala Zavala Muníz.

Estreno: 23 de mayo de 2015.

Funciones viernes y sábados 20.30 hs, domingos 19.00 hs.

Adaptación teatral de la novela homónima de W.H. Hudson, primera en retratar el Uruguay en el siglo XIX: aventuras e historia en una tierra ensangrentada por guerras civiles y luchas de divisas. Narra el vagabundeo del botánico inglés Richard Lamb por la convulsa Banda Oriental. Una aguda mirada a la naturaleza y a los habitantes de la “tierra purpúrea”, aún sacudida por las convulsiones revolucionarias que conmovieron las primeras décadas como nación.

La crónica del forastero o el testimonio del viajero de paso, son siempre un punto de vista de interés para conocer más sobre nosotros mismos. La Tierra Purpúrea que Inglaterra perdió (“uno de los muy pocos libros felices que hay en la tierra”, al decir de Borges) relata el pasaje de un botánico inglés por nuestras tierras en los convulsionados tiempos de la segunda mitad del Siglo XIX. Su autor, William Henry Hudson, contempló e interpretó al país a través de su personaje y alter ego Richard Lamb.

A 130 años de la aparición de esta novela, la Comedia Nacional se abre al desafío de revivir ese viaje y a aquellos seres descritos por Hudson, que habitaron nuestra tierra y que le dieron forma a la República. Para ello y haciendo un paralelismo con la novela, convocamos al autor y director Anthony Fletcher –inglés también, recientemente radicado aquí- quien fue responsable de seleccionar las escenas y adaptarlas al lenguaje teatral. Examinando el valor y la vigencia de la novela original, pasado y presente se conjugan en esta puesta, donde la visión romántica de un extranjero sobre nuestra Banda Oriental es atravesada por la mirada contemporánea de otro británico.

Hubo un tiempo en que los orientales dirimían sus conflictos en la guerra y en el que afirmaban su sentido de la libertad y de la igualdad en el rechazo a cualquier orden derivado del poder, se vistiera este tras los ropajes del Estado, de la revolución o de la civilización. Los extranjeros y los doctores afirmaban que todo ello resultaba del imperio de la barbarie, una condición en que las pulsiones parecían vencer a la razón y en la que la inexistencia de reglas se proyectaba como un estilo de vida invencible. Sin embargo, tras la superficie del tumulto y de la sangre, aquellos hombres y mujeres, irremediablemente enfrentados, recogían en sus luchas la profundidad de muchos conflictos primordiales. Fue la interpelación de ese descubrimiento lo que llevó a un personaje llamado Richard Lamb a cambiar radicalmente sus certezas con la fuerza de una conversión. ¿Cuál era el precio de la libertad y cuál el de estar en el mundo civilizado que podía anhelarse tras la frontera transatlántica? ¿Cómo un argentino con ascendencia sajona y que se quería inglés llegó a enamorarse para siempre de una sociedad y de un estilo de vida que venían a contrariar todas las convicciones en las que había sido formado? ¿Por qué peleaban hasta la muerte blancos y colorados hace un siglo y medio? De estos y de otros temas se nutre La Tierra Purpúrea, una novela editada por primera vez en inglés en 1885 y que aun luego de ser traducida al español nunca ha terminado de ser asumida como propia ni por orientales ni por uruguayos. Con suerte esquiva en nuestra literatura, este relato fascinante de W.H. Hudson, ahora llevado al teatro, de manera misteriosa sigue vigente entre nosotros, interpelándonos y exigiéndonos.

Gerardo Caetano

Cuando llegué a Uruguay, algunos me hablaron de una novela misteriosa escrita por un inglés en el Siglo XIX, que transcurre en el campo uruguayo. Una novela que habla de un tiempo casi místico, de caudillos y gauchos y aventuras románticas. Hudson la escribió para un público inglés, victoriano. Para él, la novela mostraba un mundo que el imperio británico había perdido. Quería representar un mundo lejano, exótico, al estilo de Kipling. Hudson, hijo de yankees que vivió sus primeros 34 años en Argentina, ha sufrido el mismo destino que el imperio británico: desapreció como el imperio, hoy en día Hudson también es casi un desconocido en Inglaterra. La Tierra Purpúrea es casi una curiosidad. El desafío de traducir la novela al escenario es doble. Primero: convertir sus 400 páginas, picarescas, narradas en primera persona, en una obra de teatro. Segundo, cumplir con el deber de investigar el por qué este libro -como nos dijo Gerardo Caetano- tiene un significado para el pueblo uruguayo. Paso a paso, en el transcurso de nuestros ensayos, empezó a emerger ese país, el de hoy en día como el de la época de Hudson. Ambos países con profundas divisiones, pero ambos países vinculados con la naturaleza, y un fuerte instinto de libertad. Un país que vive tanto en los sueños de sus sujetos, los uruguayos, como en las páginas del libro mismo.

Anthony Fletcher

Elenco: Leandro Íbero Núñez, Fernando Dianesi, Isabel Legarra, Jimena Pérez, Lucio Hernández, Luis Martínez, Leonor Chavarría (actriz invitada)

Vestuario y elementos escénicos: Pilar González

Escenografía: Leandro Garzina

Iluminación: Lucía Acuña

Música original: Martín Buscaglia

Asesoramiento histórico: Gerardo Caetano

Traspuntes: Diego Aguirregaray, Micaela Rodríguez

Dramaturgia y dirección: Anthony Fletcher

Espectáculo apto a todo público. Duración 1 hora y 40 minutos

Entradas en venta en TickAntel y boletería del Teatro Solís.

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Sábado 21 de febrero al 5 de abril en Sala Zavala Muníz.

sábados 21hs / domingos 20 horas.

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ganadora de 3 Premios Florencio: Mejor elenco, mejor actriz (Stefanie Neukirch), mejor actriz de reparto (Roxana Blanco)

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La Comedia Nacional comienza su temporada 2015 con el reestreno de la obra El tiempo todo entero de Romina Paula, dirigida por Andrés Papaleo, ganadora de tres Premios Florencio (mejor elenco, mejor actriz Stefanie Neukirch y mejor actriz de reparto Roxana Blanco). El espectáculo obtuvo además 4 nominaciones en las categorías mejor espectáculo, mejor dirección, mejor actor Leandro Íbero Núñez y mejor actor de reparto Diego Arbelo.

A este reestreno se le sumarán la próxima semana las reposiciones de La mitad de Dios y El misántropo.

El tiempo todo entero se presentará nuevamente en Sala Zavala Muníz del 21 de febrero al 5 de abril, los sábados a las 21hs y domingos a las 20hs.

Se trata de una reescritura libre de El zoo de cristal, una de las obras maestras de Tennessee Williams, con la marca personal de su autora, Romina Paula -una de las revelaciones del teatro argentino actual-, que acentúa la ambigüedad entre drama y comedia que tiene el relato. A través del aggiornamento y transposición mantiene la matriz situacional, los vínculos y conflictos determinantes de la pieza, pero operando sobre ellos un tenue desplazamiento que nos los devuelve extrañado y re-poetizados. Romina Paula examina con ojos de hoy los temas y conflictos de un texto ya clásico, conduciendo la acción y los personajes hacia nuevos desenlaces.

En El tiempo todo entero una joven se recluye en su casa, a pesar de los esfuerzos de su madre, de su hermano y de un visitante casual, ella decide que no hay nada interesante afuera. “No me gusta salir. No me gusta la gente en general. Me gustan mi hermano, mi mamá”, argumenta, aunque con su madre se lleva muy mal. La salida, la fuga como supuestos signos de independencia y el claustro como repliegue y defensa vinculan a los cuatro personajes en un círculo envolvente. El tiempo todo entero, sin referencia a la obra que le dio origen, El zoo de cristal de Tennessee Williams, escapa a sus alusiones mediatas para encarnarse en el encierro. Una obra sobre el tiempo y el silencio, que gira en torno a cuatro personajes, todos marcados por el sufrimiento.

El montaje de este espectáculo -como otros que han sido estrenados por la Comedia Nacional en los últimos años- surgió en el marco de una experiencia interna en el que los actores del elenco proponen textos que desean trabajar con sus compañeros. Hoy llega a escena manteniendo el espíritu de la versión presentada originalmente, con elementos y recursos de ambientación básicos y manteniendo la proximidad y el vínculo de los espectadores con la acción.

Esta es la primera vez que Andrés Papaleo dirige a sus compañeros del elenco de la Comedia Nacional.

>> sinopsis

El tiempo todo entero, reescribe libremente El zoo de cristal, una de las obras maestras de Tennessee Williams, imprimiendo la marca personal de su autora que destaca la ambigüedad entre drama y comedia que tiene el relato. La dramaturga conservó los roles y conflictos de la historia original, alterando por completo los discursos y atributos de los personajes, marcando los contrastes de un clima perturbador y fascinante.

>> sobre la autora_ ROMINA PAULA

Egresada de la Carrera de Dramaturgia de la EMAD (Buenos Aires). Como autora y directora estrenó las obras Algo de ruido hace, El tiempo todo entero y Fauna, junto a la Compañía el Silencio.Editorial Entropía publicó sus novelas ¿Vos me querés a mí? y Agosto y las 3 obras antes mencionadas.

>> sobre el director_ ANDRÉS PAPALEO

Director y actor egresado de la EMAD en 2008, integra el elenco de la Comedia Nacional desde 2012. Fundador de la compañía 3er.drama, donde se desempeña como gestor, actor, director, productor y dramaturgo de distintas propuestas artísticas. Inicia su carrera como director en 2007 con Él (experimento) en el Teatro Circular. Dirige y escribe Travesti – casi un musical y Open the Door. Incursiona en el teatro de improvisación con la dirección de Impronight e Improsummer. En 2013 estrena General Darcy and the Girl de Victoria Vera (en Cambridge, Inglaterra) con 3er.drama y el semimontaje Un hombre que se ahoga de Daniel Veronese con la Comedia Nacional. En carnaval participa como director general, puestista y coautor Revista Krisis (distinguido en 2012 como Mejor texto de revistas junto a Emiliano Duarte y Victoria Vera).

>> ficha artística y técnica.

Elenco: Diego Arbelo, Roxana Blanco, Stefanie Neukirch, Leandro Íbero Núñez

Dirección de arte: Diego Aguirregaray.

Traspuntes: Micaela Rodríguez, Daniel Pérez

DIRECCIÓN: Andrés Papaleo

El espectáculo tiene una duración aproximada de 1 hora

Apto mayores de 12 años.

** LOCALIDADES PARA TODAS LAS FUNCIONES **

Precio único $110 para cualquier ubicación

Entradas en venta en TICKANTEL y boletería de cada sala

Socio Espectacular gratis.

Mayores de 60 años y jubilados gratis los domingos.

Por más información:

comedianacional.montevideo.gub.uy

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EL TIEMPO TODO ENTERO de ROMINA PAULA /

dirección ANDRÉS PAPALEO

26 de setiembre al 30 de noviembre en Sala Zavala Muníz

viernes 21hs / sábados 20 y 22hs / domingos 19hs

En la Sala Zavala Muníz la Comedia Nacional reestrena la obra El tiempo todo entero de Romina Paula, dirigida por Andrés Papaleo y las actuaciones de Diego Arbelo, Roxana Blanco, Stefanie Neukirch y Leandro Íbero Núñez. La obra realizará 4 funciones semanales, los viernes a las 21hs, los sábados doble función a las 20hs y 22 hs y los domingos a las 19hs.

Se trata de una reescritura libre de El zoo de cristal, una de las obras maestras de Tennessee Williams, con la marca personal de su autora, Romina Paula -una de las revelaciones del teatro argentino actual-, que acentúa la ambigüedad entre drama y comedia que tiene el relato. A través del aggiornamento y transposición mantiene la matriz situacional, los vínculos y conflictos determinantes de la pieza, pero operando sobre ellos un tenue desplazamiento que nos los devuelve extrañado y re-poetizados. Romina Paula examina con ojos de hoy los temas y conflictos de un texto ya clásico, conduciendo la acción y los personajes hacia nuevos desenlaces.

En El tiempo todo entero una joven se recluye en su casa, a pesar de los esfuerzos de su madre, de su hermano y de un visitante casual, ella decide que no hay nada interesante afuera. “No me gusta salir. No me gusta la gente en general. Me gustan mi hermano, mi mamá”, argumenta, aunque con su madre se lleva muy mal. La salida, la fuga como supuestos signos de independencia y el claustro como repliegue y defensa vinculan a los cuatro personajes en un círculo envolvente. El tiempo todo entero, sin referencia a la obra que le dio origen, El zoo de cristal de Tennessee Williams, escapa a sus alusiones mediatas para encarnarse en el encierro. Una obra sobre el tiempo y el silencio, que gira en torno a cuatro personajes, todos marcados por el sufrimiento.

El montaje de este espectáculo -como otros que han sido estrenados por la Comedia Nacional en los últimos años- surgió en el marco de una experiencia interna en el que los actores del elenco proponen textos que desean trabajar con sus compañeros. Hoy llega a escena manteniendo el espíritu de la versión presentada originalmente, con elementos y recursos de ambientación básicos y manteniendo la proximidad y el vínculo de los espectadores con la acción.

Esta es la primera vez que Andrés Papaleo dirige a sus compañeros del elenco de la Comedia Nacional.

>> sinopsis

El tiempo todo entero, reescribe libremente El zoo de cristal, una de las obras maestras de Tennessee Williams, imprimiendo la marca personal de su autora que destaca la ambigüedad entre drama y comedia que tiene el relato. La dramaturga conservó los roles y conflictos de la historia original, alterando por completo los discursos y atributos de los personajes, marcando los contrastes de un clima perturbador y fascinante.

>> sobre la autora_ ROMINA PAULA

Egresada de la Carrera de Dramaturgia de la EMAD (Buenos Aires). Como autora y directora estrenó las obras Algo de ruido hace, El tiempo todo entero y Fauna, junto a la Compañía el Silencio.Editorial Entropía publicó sus novelas ¿Vos me querés a mí? y Agosto y las 3 obras antes mencionadas.

>> sobre el director_ ANDRÉS PAPALEO

Director y actor egresado de la EMAD en 2008, integra el elenco de la Comedia Nacional desde 2012.

Fundador de la compañía 3er.drama, donde se desempeña como gestor, actor, director, productor y dramaturgo de distintas propuestas artísticas. Inicia su carrera como director en 2007 con Él (experimento) en el Teatro Circular. Dirige y escribe Travesti – casi un musical y Open the Door. Incursiona en el teatro de improvisación con la dirección de Impronight e Improsummer. En 2013 estrena General Darcy and the Girl de Victoria Vera (en Cambridge, Inglaterra) con 3er.drama y el semimontaje Un hombre que se ahoga de Daniel Veronese con la Comedia Nacional.

En carnaval participa como director general, puestista y coautor del espectáculo El tricentenario de la revista Krisis (2012), distinguido como Mejor texto de revistas junto a Emiliano Duarte y Victoria Vera.

>> ficha artística y técnica

Elenco: Diego Arbelo, Roxana Blanco, Stefanie Neukirch, Leandro Íbero Núñez

Dirección de arte: Diego Aguirregaray

Traspunte: Micaela Rodríguez

DIRECCIÓN: Andrés Papaleo

El espectáculo tiene una duración aproximada de 1 hora

Apto mayores de 12 años

Comedia Nacional

Temporada 2014 Héctor Manuel Vidal

presenta

VICTOR o LOS NIÑOS AL PODER

de ROGER VITRAC / dirección Margarita Musto

27 de setiembre al 7 de diciembre

en Sala Verdi

viernes y sábados 21hs / domingos 19hs

El sábado 27 la Comedia Nacional estrena la obra VICTOR o LOS NIÑOS AL PODER del francés Roger Vitrac, con dirección de Margarita Musto, en Sala Verdi. El espectáculo está protagonizado por Levón en el rol de Víctor, un niño de 9 años cuya precocidad se manifiesta en su altura de más de un metro ochenta y su forma de pensar y expresarse como un adulto.

Las funciones serán viernes y sábados 21hs y domingos 19hs.

Víctor o Los niños al poder es considerada una de las obras más relevantes del teatro dadaísta, movimiento de vanguardia intelectual, literario y artístico iniciado por Hugo Ball y Tristan Tzara que rechazaba las restricciones, las convenciones artísticas y todo tipo de codificación. Los dadaístas recurrían a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente sorpresivos, apoyados en el absurdo e irracionalidad.

Por su carácter rupturista, la vanguardia histórica de comienzos del Siglo XX fue uno de los momentos más productivos del teatro universal, sus manifestaciones buscaban impactar o dejar perplejo al público para que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. En ella la labor de Roger Vitrac resulta insoslayable, su obra está impregnada de las ideas, del vocabulario y del espíritu contestatario de la época.

Víctor fue estrenada por el Théâtre Alfred Jarry, con dirección de Antonin Artaud, el 24 de diciembre de 1928, en París. Juntos cuestionaron los géneros teatrales y se propusieron desarrollar un ‘teatro puro’, que se convirtió en el antecedente del ‘Teatro de la crueldad’ y sembró la semilla del futuro ‘Teatro del absurdo’. Para Artaud el teatro debía intentar “alcanzar las regiones más profundas del individuo y crear en él una especie de alteración real, aunque oculta, cuyas consecuencias sean percibidas más tarde.”

Vitrac nos presenta aquí una sátira corrosiva del conformismo burgués, un texto de gran alcance y profundidad bajo la cáscara escénica de un vaudeville. El procedimiento principal es la parodia, la repetición y la transgresión: utiliza algunas convenciones de la comedia burguesa que permiten reconocer el género, pero las transgrede y suma otras convenciones. Todos los ingredientes están aquí: la mujer burguesa, el marido infiel, la amante, el engañado; con dos elementos adicionales, los niños Víctor y Esther, de nueve y seis años, que llevan adelante la acción que desenmascara el mundo de los adultos. Contra a la trivialidad del vaudeville, Víctor no ve el adulterio como un juego farsesco de comedia de enredos, sino como una actitud repudiable, que produce angustia. Los niños -personajes secundarios en las reglas estabilizadas del género-, son aquí las fuerzas dramáticas centrales que exponen los vicios y la hipocresía de los padres, revelando el nefasto resultado que lo no dicho puede generar en los más inocentes. Cuando el vaudeville vira hacia el drama y el pequeño mundo se convierte en un torbellino infernal, la broma surrealista se impone y la comedia se vuelve tragedia.

Víctor es un personaje dadaísta, que supo crecer a fuerza de adultez, de tal forma, que su precocidad se manifiesta en su estatura de más de un metro ochenta y se expresa con la locuacidad de un mayor, pero sigue siendo un niño. Víctor, es casi un anagrama de Vitrac, lo que nos subraya la naturaleza casi autobiográfica de la obra. El autor no sólo sufrió la separación de sus padres a esa edad, sino que como Víctor llegó a ser más alto que sus padres.

>> sinopsis

El día en que Víctor cumple 9 años, él junto a su amiga Esther, deciden súbitamente decir todo lo que piensan del mundo de los adultos, desconcertando a sus padres y envenenándoles la vida a los invitados al festejo. Victor, cuenta con una inteligencia precoz y un desarrollo anormal (mide más de 1 metro ochenta). «Víctor o los niños al poder» es una crítica a la burguesía en tanto un mundo que cercena el juego. Los niños son castigados haciéndolos crecer de golpe.

>> sobre el autor_ ROGER VITRAC

Dramaturgo y poeta francés nacido en Pinsac en 1899, a sus diez años se radicó a París. Desde muy joven estuvo influenciado por el simbolismo y el dadaísmo. A principios de los años veinte, se unió al movimiento surrealista. Paulatinamente él y Antonin Artaud fueron segregados del grupo, y juntos crearon el Théatre Alfred Jarry en 1926, donde se produjeron algunas de sus obras más importantes, como Los misterios del amor (1927) y Víctor o Los niños al poder (1928).

>> sobre la directora_ MARGARITA MUSTO

Actriz egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático en 1982. Desde entonces ha protagonizado textos de teatro clásico y contemporáneo de Brecht, Shakespeare, García Lorca, Chéjov, Churchill, Bergman, entre otros. Ha trabajado con los directores más destacados de la escena nacional y ha sido invitada a participar en producciones de directores extranjeros. Incursionó en televisión y en cine, siendo una de las primeras protagonistas de filmes nacionales.

En 2000, escribe la obra En honor al mérito, texto que le valiera el primer premio de Dramaturgia de la Intendencia de Montevideo, el Premio Florencio al Autor Nacional y el anual del Instituto Internacional de Teatro. Dirige los espectáculos Blackbird (2011 – Florencio a Mejor Espectáculo y Mejor Dirección) y Top Girls (2013). Ha sido nominada y premiada por su labor como actriz de teatro y de cine en numerosas oportunidades tanto en nuestro país como en el exterior.

Es la Directora General y Artística de la Comedia Nacional desde 2013.

>> ficha artística y técnica

Elenco: Levón, Cristina Machado, Natalia Chiarelli, Fabricio Galbiati, Lucio Hernández, Claudia Rossi, Oscar Serra, Lucía Sommer, Pablo Varrailhón

Escenografía, vestuario y luces: Gerardo Egea

Escenografía, vestuario y luces: Leonardo Croatto

Traspunte: Diego Aguirregaray, Cristina Techera

DIRECCIÓN: Margarita Musto

El espectáculo tiene una duración aproximada de 1 hora y 30 minutos

** LOCALIDADES PARA TODAS LAS FUNCIONES **

Precio único $110 para cualquier ubicación

Entradas en venta en REDUTS y boletería de cada sala

Socio Espectacular gratis.

Por más información:

comedianacional.montevideo.gub.uy

Fuente Contenido: Comedia Nacional.

Fuente Imagen: Castagnello.

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Concepción Zorrilla, «China», directora y productora, nació en Montevideo en 1922. Inició su vida profesional en el teatro independiente con el grupo Ars Pulcra, de la Asociación de Estudiantes y Profesionales Católicos.

Luego de una residencia en Londres, regresó a Uruguay y en 1948 se incorporó a la Comedia Nacional, que apenas comenzaba su segunda temporada, transcurridos sólo unos meses de su fundación.

En sus diez años como actriz del elenco oficial trabajó en cuarenta espectáculos, bajo la dirección de otros grandes como Antonio Taco Larreta, Carlos Calderón de la Barca, Margarita Xirgú, Enrique Guarnero y Alberto Candeau. También se desempeñó como directora, de obras como Fin de semanade Noel Coward, Helena o La alegría de vivir, de Roussin y Gray, Las de Barranco, de Gregorio de Laferrere, La casamentera, de Thorton Wilder y El honor no es cosa de mujeres, de Robert de Flers y G. A. de Caillavet.

Tras su paso por la Comedia, se radicó en Nueva York y posteriormente desarrolló una extensa y laureada carrera en Buenos Aires, en teatro, cine y televisión, que le valió popularidad y reconocimiento internacional.

VELATORIO: Sus restos serán velados a partir de las 17.30hs de este miércoles en la Empresa Martinelli. El jueves continuará en el Palacio Legislativo donde el Estado le prestará honras fúnebres entre las 9 de la mañana y las 12.30 en el Salón de los Pasos Perdidos.

El cortejo fúnebre pasará frente al Teatro Solís para recibir saludo de actores de la Comedia Nacional y el teatro independiente, y trabajadores del teatro. Luego continuará hacia el Cementerio Central.

Repasamos el paso de China Zorrilla por la Comedia Nacional

Año 1948

1. Una familia feliz, de Antonio Larreta, en Luisa.

Puesta en escena de Antonio Larreta.

2. Cuarteto, de Concepción Zorrilla, en Margarita.

Dirección Concepción Zorrilla.

Año 1949

3. Tres hombres y una mujer, de Roger Ferdinand, en Cristina.

Dirección de Calderón de la Barca.

4. Locos de verano, de Gregorio de Laferrere, en Elena.

Dirección Armando Discépolo.

5. El bosque liberado, de Ernesto Pinto, en Dama de amarillo.

Dirección de Calderón de la Barca.

6. La espada desnuda, de Juan León Bengoa, en Aurelia.

Dirección Carmen Casnell

7. La Celestina, de Fernando de Rojas, en Melibea.

Debut de Margarita Xirgu como directora y actriz de la Comedia Nacional.

Año 1950

8. Cantos rodados, de Francisco Imhof, en Elena.

Vestuario femenino diseño de Guma Zorrilla.

Dirección de Armando Discépolo.

9. Romero y Julieta, de W.Shakespeare, en Julieta.

Dirección Margarita Xirgu

10. El inspector de A. Gogol, en Ana Andreyevna.

Dirección Armando Discépolo

11. La sonrisa, de Antonio Larreta, en Elena Sánchez.

Dirección de Antonio Larreta.

12. La Patria en Armas de Juan León Bengoa, en la Virucha.

Bocetos escenográficos de José Luis Zorrilla de San Martín.

Dirección de Margarita Xirgu.

13. Bodas de Sangre, de F. García Lorca, en la Novia.

Dirección Margarita Xirgu.

Año 1952

14. La Rondalla, de Victor Pérz Petit, en Simona.

Vestuario de época bocetos de Guma Zorrilla.

Dirección de Armando Discépolo

15. Nuestro pueblo, de Thorton Wilde, en Sra. Seoames.

Diseño de vestuario de Guma Zorrilla.

Puesta en escena de Orestes Caviglia.

16. Intermitencias, de María de Monserrat, en la Señora el 4.

Dirección de Margarita Xirgu.

17. La loca de Chaillot, de Jean Giraudoux, en la Loca de Passy.

Dirección de Margarita Xirgu.

18. El soldado de chocolate, de Bernad Shaw, en Raina.

Dirección de Orestes Caviglia.

19. Orfeo, de Carlos Denis Molina, en Eurídice.

Dirección de Margarita Xirgu

Año 1953

20. Tartufo, de Moliére, en Dorina.

Dirección de Margrita Xirgu.

21. Esta noche se recita improvisando, de L. Pirandello, en Sra. Ignacia.

Dirección de Armando Discépolo.

Año 1954

22. El Alcalde de Zalamea, de Pedro Calderón de la Barca, en la Chispa.

Dirección Margarita Xirgu.

23. Oficio de tinieblas, de Antonio Larreta, en Alma.

Dirección de Orestes Caviglia

24. Un mensaje para Margarita, de James Parish, en Adelina Chalcot.

Traducción de Concepción Zorrilla.

Dirección de Josefina Díaz.

25. Macbeth, de W. Shakespeare, en una dama de la servidumbre de Lady Macbeth.

Dirección de Margarita Xirgu

26. La invitación al castillo, de Jean Anouilh, en la Madre.

Dirección de Orestes Caviglia.

Año 1955

27. Calor y frío, de F. Crommelynck, en Ida.

Dirección de Margarita Xirgu.

28. Don Gil de las Calzas Verdes,de Tirso de Molina, en Doña Juana.

Dirección de Margarita Xirgu.

29. El inquilino imaginario, de Armengol P. Font, en Lana.

Dirección de Orestes Caviglia.

30. Todo sea para bien, de L. Pirandello, en Palma Lori.

Dirección de Enrique Guarnero.

31. Fin de semana de Noel Coward, en Judith Bliss.

Dirección y puesta en escena de Concepción Zorrilla.

Año 1956

32. El pelo de la Dehesa, de Manuel Bretón de los Herreros, en La Marquesa.

Puesta en escena de Margarita Xirgu.

33. Helena o La alegría de vivir, de Roussin y Gray, en Helena.

Escenografía y vestuario Guma Zorrilla.

Dirección y puesta en escena de China Zorrilla.

34. Sueño de una noche de verano, de W. Shakespeare, en Titania. Dirección de Margarita Xirgu.

Año 1957

35. Los gigantes de la montaña, de L. Pirandello, en Ilse Paulsen.

Dirección y puesta en escena de Antonio Larreta

36. Las de Barranco, de Gregorio de Laferrere, en Doña María.

Dirección y puesta en escena de Concepción Zorrilla

37. Juno y el pavo real, de Sean O´Casey, en Maisie Madigan.

Dirección de Alberto Candeau.

Año 1958

38. El diario de Ana Frank, de Frances Goodrich y Albert Hackett, en Sra. Van Daan.

Dirección de Antonio Larreta.

Año 1959

39. La casamentera, de Thorton Wilder, en Dolly Levi.

Dirección y puesta en escena de Concepción Zorrilla

Año 1967

40. El honor no es cosa de mujeres, de Robert de Flers y G. A. de Caillavet, en Caroline Margerie.

Bocetos de vestuario de Guma Zorrilla.

Dirección de Concepción Zorrilla.

Fuente: Contenido e Imagen: Comedia Nacional.

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Ciclo de cuatro encuentros entre críticos teatrales y actores del elenco de la Comedia Nacional.

ANDREA DAVIDOVICS

entrevistada por Yamandú Marichal

Sala Verdi

miércoles 16 de julio, 20hs.

Entrada libre, actividad abierta a todo público

La Comedia Nacional lleva adelante el ciclo EL OFICIO DEL ACTOR, cuatro encuentros con actores y actrices del elenco moderados por críticos teatrales, para brindar una mirada profunda sobre el trabajo de nuestros intérpretes. La actividad es abierta a todo público y se lleva a cabo en la Sala Verdi, con entrada libre.

El ciclo, que ya contó con la presencia de Levón entrevistado por María Esther Burgueño y Lucio Hernández entrevistado por Leonardo Flamia), continúa el próximo 16 de julio con Andrea Davidovics entrevistada por Yamandú Marichal.

El 23 de julio se cerrará el ciclo con la presencia de Jimena Pérez en diálogo con Débora Quiring.

EL OFICIO DEL ACTOR es un diálogo mano a mano donde estos cuatro intérpretes comparten su experiencia, sus orígenes en este oficio, su vocación, sus procesos de creación, los ejercicios, técnicas y herramientas que aplican en su trabajo y repasarán sus personajes más recordados. Revelarán a qué apelan para poder crear y contar historias.

Este ciclo de charlas busca acercar y dialogar con el público, fomentando instancias de encuentro e intercambio con los espectadores, revelando los secretos de un oficio tan particular como es la actuación, para un mayor conocimiento del mismo.

La principal herramienta del actor es él mismo, su voz, su cuerpo, el intelecto y la sensibilidad son puestas al servicio del personaje. El signo fascinante de su tarea es la duplicidad: vivir y mostrar, ser a la vez él mismo y otro, un ser de papel y un ser de carne. El actor es al mismo tiempo aquel que adquiere significado a través del texto y aquel que confiere significación al texto, de manera distinta en cada representación.

Al interpretar un personaje el actor se sitúa en el centro mismo del acontecimiento teatral. Es el vínculo vivo entre el texto del autor, las orientaciones interpretativas del director y la mirada y el oído del espectador. El actor encarna un personaje haciéndose pasar por él, es una presencia física que mantiene verdaderas relaciones “cuerpo a cuerpo” con el público, que es invitado a captar la dimensión inmediatamente palpable y carnal, pero también efímera e inaprensible, de su aparición.

Para llegar al personaje el intérprete tiene que aprender cómo dejar de ser él mismo, abandonar durante cierto tiempo su propio yo. Deja espacio en su mente y en su cuerpo para que ese ser ficticio se haga visible ante los espectadores.

ANDREA DAVIDOVICS

Comienza sus estudios en el “Millington Drake” (hoy teatro del Anglo), con Eduardo Malet en 1974 y en 1976 ingresa al Work Shop de la Alianza Uruguay – Estados Unidos, bajo la dirección de Elena Zuasti, formando parte del elenco estable hasta 1980.

En 1983 egresa de la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD), donde tuvo docentes de la talla de E. Guarnero, M. Santullo, E. Schinca, Berto Fontana, J. Triador y Mingo Solari, Elena Zuasti, entre otros. Al año siguiente es becada por la Comedia Nacional y en 1987, ingresa por concurso a su elenco estable, al que pertenece desde entonces y con el que ha realizado más de 50 espectáculos, trabajando con múltiples directores.

Es fundadora del grupo de teatro callejero: “Teatro Sincueva”; su voz ha ilustrado numerosos avisos publicitarios en diez años como locutora y fue la voz femenina en los primeros cinco años de La Tabaré Riverock Banda.

Ha sido nominada al Premio Florencio varias veces, recibiéndolo en 1998 por La ópera de dos centavos (dirección de J.Curi). Este trabajo también le valió el premio “Iris” de la revista Sábado Show. En 2012 recibe la primera edición del Premio Búho, otorgado por Canal 10 a la mejor labor femenina del año por El tobogán..

Ha participado en varias series televisivas, como Los Tres, Las novias de Travolta; Tan desparejas, Adicciones y en cine en Pepita la pistolera, Tahití, Trasatlántico, Paisito, Llamada para un cartero y Por un tiempo.

YAMANDÚ MARICHAL

Periodista cultural (prensa, radio,TV) desde 1956. Cronista de espectáculos (crítico de teatro y cine), integra la Asoc.de Criticos Teatrales del Uruguay (ACTU) de la que en varias

oportunidades fue Presidente. Integró (junto a Magdalena Gerona y Jorge Pignataro) el primer triunvirato de ACTU elegido al regreso de la Democracia. Cuando se votó su primer

Consejo Directivo fue su primer Presidente. Integra la Asociación de Críticos Cinematográficos del Uruguay (ACCU) de la que en oportunidades integró su Comisión Directiva.

Por su iniciativa se creó el Premio Florencio cuyos estatutos también redactó. Fue miembro de todas las Comisiones Organizadoras de las Muestras Internacionales organizadas por ACTU. Asesor (cine,teatro) en el premio Morosoli. Integra la Comisión Asesora del Premio Búho. Jurado en varias oportunidades en concursos de cine, teatro, narrativa, etc.

Jurado del FONA en 2007. Creador del ciclo «Vea teatro con nosotros». Corresponsal en publicaciones del exterior. Coordinador en Uruguay de «Escenario de dos mundos», inventario teatral de toda Iberoamérica publicado por el Ministerio de Cultura de España. Creador junto a Jorge Ángel Arteaga del primer Café Teatro del Uruguay (Tupi Nambá).

Realiza charlas sobre temas culturales en Uruguay y en el exterior. Integró la Mesa Directiva del Primer Congreso de Teatro Nacional.

< Calendario de El oficio del actor >

Sala Verdi / entrada libre

miércoles 16 de julio, 20hs:

Andrea Davidovics / entrevistada por Yamandú Marichal

miércoles 23 de julio, 20hs:

Jimena Pérez / entrevistada por Débora Quirino.

Fuente Imagen. Comedia Nacional, Castagnello.

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dirección SERGIO PEREIRA.

TODAS LAS FUNCIONES SON CON ENTRADA LIBRE.

LA TEJA.

Jueves 17 de julio, 20:00hs

Plaza de Deportes Nº 6 “25 de Mayo”

Carlos María Ramírez esquina Tellier

Apertura de la 15º Muestra de Teatro del Zonal 14

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BELLA ITALIA

Martes 22 de julio, 18:00hs

Liceo N° 58 «Mario Benedetti»

Camino Maldonado 5870 esquina Venecia

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CERRITO DE LA VICTORIA

Viernes 25 de julio, 20:00hs

Plaza de Deportes N° 4

León Pérez y Francisco Romero

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BUCEO

Martes 29 de julio, 18:30hs

Liceo Francés

Benigno Paiva 1160

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PEÑAROL

Jueves 31 de julio, 20:00hs

Mesa 2 (Salón Comunal)

Pantanoso 4718

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CERRO

Sábado 2 de agosto, 20:00hs

Domingo 3 de agosto, 18:00hs

Teatro Florencio Sánchez

Grecia 3281

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MALVÍN

Martes 5 de agosto, 20:00hs

Sala La Experimental

Dr. Decroly 4791 esquina Michigan

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CAPURRO

Miércoles 6 de agosto, 18:30hs

Liceo N° 71

Pablo Zufrategui 972 esquina Agraciada

Duracion: 1 hora y 15 minutos

Apta mayores de 15 años

La Comedia Nacional anuncia su Gira Barrial 2014, con su espectáculo LOS MUERTOS de Florencio Sánchez, bajo la dirección de Sergio Pereira. Los muertos, que se viene presentando en Sala Verdi desde el mes de marzo, bajará de cartel el próximo domingo 20 de julio. Celebrando la última función y el comienzo de la gira, las localidades para el día domingo serán gratuitas y se realizará dentro del Festival Montevideo de las Artes.

La gira comenzará este jueves 17 de julio en la Teja en la Plaza de Deportes Nº 6, inaugurando la 15ª de Teatro del Zonal 14, y recorrerá ocho barrios de Montevideo: La Teja, Bella Italia, Cerrito de la Victoria, Buceo, Peñarol, Cerro, Malvín y Capurro.

Con esta gira la Comedia Nacional persigue un objetivo descentralizador de la cultura, para llegar a nuevos públicos. Como es habitual en sus giras barriales, la entrada es gratuita.

Esta gira es organizada junto al Programa Esquinas de la Cultura de la Intendencia de Montevideo.

Los muertos se trata de una de las creaciones más potentes de Florencio Sánchez y de toda la dramática rioplatense, que denuncia la falta de voluntad como causa de la ruina del individuo. «Un hombre sin carácter es un muerto que camina» sentencia Florencio, mientras cuestiona el poder institucionalizado, la injusticia y el machismo.

Las obras de Sánchez son el reflejo de problemáticas concretas, reproducidas con crudeza gracias a su capacidad de llevar a escena, dichos y situaciones de la vida cotidiana. Las cuestiones sociales fueron las principales preocupaciones de su teatro. En su línea anarquista, proclama a lo largo de sus últimas obras los derechos humanos frente a las leyes sociales o los convencionalismos. En Los Muertos aborda la violencia doméstica -en este caso como consecuencia del alcoholismo-, y la subordinación de la mujer al hombre; Sánchez pone en palabras de Amelia el reclamo de las mujeres de su derecho a ser felices y a disponer de su libertad.

El drama se sucede en un ambiente de deterioro económico y moral, en el que la miseria y las adicciones destruyen hasta la voluntad, y la falta de carácter desencadena la ruina del individuo. Sus personajes son figuras decadentes, tomadas en el filo de su existencia, a las que Sánchez compadece y condena en nombre de una moral vitalista que exige hombres de voluntad íntegra para enfrentar la vida. La relevancia del teatro de Florencio radica, en gran medida, en esa auténtica visión del acontecer humano, fruto de un compromiso personal con el hombre y sus afectos y catalizada con los moldes dramáticos a su alcance, lo que aún hoy genera el interés de dramaturgos, directores y público.

El elenco está integrado por Elisa Contreras, Luis Martínez, Fernando Dianesi, Jimena Pérez, Juan Antonio Saraví, Lucía Sommer, Fernando Vannet, Julieta Ahunchain, Joaquín Castiglioni y Leonardo Noda. La escenografía es de Gerardo Bugarín, la iluminación de Álvaro Pozzolo, vestuario y coreografía de Verónica Lagomarsino y ambientación sonora de Fernando Condon. Con ritmo de tango interpretado en vivo por los actores, con el acompañamiento de Sebastián Mederos en bandoneón.

>> sinopsis

Los Muertos, aborda la conflictiva relación entre Amelia y su ex marido, Lisandro, un bebedor empedernido, que más allá del amor que siente por su hijo, no consigue renunciar a sus vicios y sucumbe a una vida trágica. La violencia doméstica se instala en esta familia destruida por la adicción de un hombre sin carácter, de un muerto que camina. El poder institucionalizado, la injusticia, el machismo, son algunas de las denuncias de Sánchez en esta obra.

> autor_ FLORENCIO SÁNCHEZ

Nacido el 17 de enero de 1875 en Montevideo, es considerado uno de los mejores dramaturgos de habla hispana.

Hacia 1892 se radica en Buenos Aires. A su retorno, en 1894, comenzó a trabajar como periodista en los diarios “El Nacional”, “La Razón” y “El Siglo”, de Montevideo; labor de donde se nutre con temáticas de contenido social como la vida proletaria, el conventillo, los inmigrantes y la familia. Pionero del realismo en el Río de la Plata, escribe la mayor parte de su producción dramática entre 1903 y 1907; transita distintos géneros como la comedia, el drama o el sainete, legándonos un teatro intenso en su humanidad y abordaje de la condición humana. Incansable lector, de formación básicamente autodidacta, escribió más de una veintena de obras de teatro estrenadas, en su tiempo, con gran éxito en ambas márgenes del Río de la Plata. Se aprecian sus ideas anarquistas y socialistas en sus sainetes costumbristas como los de 1902, Canillita, Moneda falsa, dramas acerca del conflicto entre la vida rural tradicional y el impacto de la inmigración europea M’hijo el dotor (1903), La gringa (1904), Barranca abajo (1905). También escribió comedias dramáticas como Los muertos, Los derechos de la salud, y estudios como: El pasado, Nuestros hijos, En familia.

En 1909 parte hacia Europa, viaje del que esperaba la consagración definitiva de su teatro. Contrae tuberculosis y muere en Milán el 7 de noviembre de 1910.

>> director_ SERGIO PEREIRA

Egresado de la Escuela Municipal de Arte Dramático “Margarita Xirgu” en 1986, y habiendo participado del postgrado de dirección de la misma escuela (1987 – 1989), desarrolla su carrera como actor trabajando con directores como China Zorrilla, Antonio Larreta, Federico Wolff, Eduardo Schinca, Elena Zuasti, Álvaro Pozzolo, Mariana Percovich, Ignacio Cardozo, Marisa Bentancur, Omar Varela, Juan Antonio Saraví, Álvaro Correa, Gabriela Iribarren, Roberto Jones, Marcelino Duffau entre otros y directores extranjeros como Valentín Tepliacov, Aderbal Junior, Luciano Alabarce. Es becado por la Escuela de Teatro Fronterizo de José Sanchis Sinisterra, haciendo un postgrado de actuación y dirección en la ciudad de Barcelona. Ganador del premio Florencio Infantil en 1995 y ganador del premio Florencio Actor de Reparto en 2009 por su interpretación de Polonio en Hamlet. Ha dirigido Juegos, Las Tesmo… qué?, La Novena Casa, Talem, lecho conyugal, La dulce historia de Florinda Flores, Los nietos nos miran, ¡Qué importa una loca más…!, Ivanov, el hombre perdido, Sueño de una noche árabe, Witheman y Cararroja, Numancia, Codicia, El niño enterrado y Días contados; y se desempeña como docente de arte escénico en el Instituto de Actuación de Montevideo y en la Escuela del Actor (Sala Telón Rojo). En televisión trabajó en varias telenovelas y unitarios de ficción nacional y en cine, en películas como Los desconocidos, El viñedo, El Noctámbulo, La mala racha y La Redota.

>> ficha artística y técnica

Elenco: Elisa Contreras, Luis Martínez, Fernando Dianesi, Jimena Pérez, Juan Antonio Saraví, Lucía Sommer, Fernando Vannet

Actores invitados: Julieta Ahunchain, Joaquín Castiglioni, Leonardo Noda

Músico en escena: Sebastián Mederos

Escenografía: Gerardo Bugarín

Iluminación: Álvaro Pozzolo

Asistente Técnico en Iluminación: Matías Vizcaíno

Vestuario y coreografía: Verónica Lagomarsino

Ambientación sonora: Fernando Condon

Peinados: Cristian de los Santos

Efectos especiales: Sergio Ferrer

Traspuntes: Marisa Ramis, Silvina Lorente

Por más información:

comedianacional.montevideo.gub.uy

Foto: Comedia Nacional. Castagnello.

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